Die 10 besten Film-Performances des Jahres 2024

Es war ein Jahr, in dem sich einige neue Namen einen Platz auf der A-Liste sicherten, einige Stars sich neu erfanden – oder besser gesagt, zu der Art von gewagteren Filmen ihrer jüngeren, hungrigeren Tage zurückkehrten – und einige Schauspieler uns daran erinnerten, warum sie als die Besten in ihrem Fach gelten. Es gab auch eine Handvoll Darsteller, die allgegenwärtig zu sein schienen: Fans von Nicholas Hoult, George MacKay und Fred Hechinger, die 2024 jeweils in drei bis vier großen Filmen zu sehen waren, hatten allen Grund zur Freude – und ein oder zwei Veteranen, die eine willkommene Rückkehr ins Rampenlicht feierten. (Nennen Sie es nur nicht Comeback … sie sind schon seit Jahren dabei!) Einige schlüpften in die Rolle eines wahren Chamäleons, und mehrere konzentrierten sich auf ihre bewährten Stärken, die sie über Jahre hinweg zwischen „Action“ und „Cut“ stolzieren und sich sorgen ließen.

Es besteht kein Zweifel: 2024 war ein großartiges Jahr für großartige Filmschauspielkunst, und es war nicht einfach, die Darbietungen, die uns bewegt, erschüttert, begeistert, zum Lachen gebracht und zu schluchzenden Wracks gemacht haben, auf nur zehn Plätze zu beschränken. (Technisch gesehen gibt es hier elf Einträge, aber … Sie werden schon sehen.) Von einem ehemaligen Bond, der zu seinen rauen Wurzeln zurückkehrt, bis hin zu einem Oscar-Preisträger, der erneut auf die bestmögliche Weise das Böse bricht, waren dies die Schauspieler, die Filmfans in den vergangenen zwölf Monaten glücklich gemacht haben.

(Ein besonderes Lob geht an: Timothée Chalamet in „A Complete Unknown“, Lily Collias in „Good One“, Ethan Herisse und Brandon Wilson in „Nickel Boys“, Julia Louis-Dreyfus in „Tuesday“, Cynthia Erivo in „Wicked“, Mia McKenna-Bruce in „How to Have Sex“, Guy Pearce in „The Brutalist“, Jeremy Strong in „The Apprentice“ und Fernanda Torres in „I’m Still Here“.)

Es ist nicht so, dass Daniel Craig noch aus dem Schatten des berühmtesten Spions der Filmgeschichte treten müsste – sein mit Südstaatenakzent und Sondheim-Gesang ausgestatteter Detektiv Benoit Blanc in den „Knives Out“-Filmen hatte diese Mission bereits erfüllt. Aber ihn als jungen William Burroughs zu sehen, der in einer surrealen mexikanischen Grenzstadt nach Sex, Drogen und, nun ja, noch mehr Sex sucht, ist eine hervorragende Erinnerungsstütze für seine Bandbreite und Genauigkeit bei der Ergründung der Tiefe einer Figur. Viel wurde über seine expliziten Sexszenen mit seinem Co-Star Drew Starkey gesprochen, der den jüngeren Mann spielt, der Craigs liebeskranken Schriftsteller verführt, doch es sind die Szenen, in denen Burroughs‘ Verletzlichkeit und Unfähigkeit, sich auf sein Objekt der Begierde einzulassen, wirklich gewagt wirken.

Und obwohl er in Luca Guadagninos Adaption des transgressiven, lange unterdrückten Romans des Autors Einblicke in die zukünftige Beat-Ikone gewährt, ist es die Art und Weise, wie er den Menschen unter der Hipster-Fassade zeigt, die hier unter die Haut geht. Für diejenigen, die Craig zum ersten Mal sahen, als er Francis Bacons Liebhaber in „Love Is the Devil“ (1998) spielte, fühlt sich die Erfahrung, dass er jetzt den älteren Künstler spielt, der sich nach seiner schwer fassbaren Muse sehnt, wie eine Vollkreisrotation an.

Jesse Eisenbergs zweite Regiearbeit dreht sich um ein Doppelpack, bei dem der Autor und Regisseur und Kieran Culkin als ehemals enge, aber grundverschiedene Cousins auf einer Sightseeing-Reise durch Polen aufeinanderprallen. Aber Eisenberg hat seinem Co-Star großzügig die Art von Rolle geschenkt, von der die meisten Schauspieler nur träumen können, und Culkin belohnt seinen Regisseur/Castmate mit der größten, witzigsten, peinlichsten und herzzerreißendsten Leistung seiner Karriere – und ja, wir zählen Roman Roy aus „Succession“ dazu. Sein Zen-Kiffer ist wie ein Ball aus purem, unverfälschtem Charisma, der sich freudig nach dem Leben von Fremden erkundigt und seine Mitreisenden zu einem Fotoshooting vor dem Denkmal des Warschauer Aufstands mitnimmt.

Dieser innere Sonnenschein, der von ihm ausgeht, macht die gelegentlichen Gewitterwolken des Zorns und die Flut von unverblümten, herausplatzenden Kommentaren verzeihlich, wenn auch nicht ganz akzeptabel. Der Schauspieler spielt ihn einerseits als ungefilterten heiligen Narren und andererseits als liebenswerten Hundewelpen, der auf den Teppich pinkelt. „Ich liebe ihn, ich hasse ihn, ich will ihn umbringen, ich will er sein“, sagt Eisenbergs Figur einmal über seinen Verwandten, und dank Culkin versteht man jeden einzelnen dieser Impulse vollkommen.

Es ist nicht so, dass Nicole Kidman jemals ausschließlich sichere Rollen auf Kosten riskanter und/oder gewagter Rollen gewählt hätte – schließlich ist sie die Person, die sich kopfüber in „Eyes Wide Shut“, „The Killing of a Sacred Deer“, „Destroyer“ und „The Paperboy“ gestürzt hat. Aber es gibt Verletzlichkeit auf der Leinwand, und dann gibt es Kidmans Arbeit in Halina Reijns Geschichte einer sexuell unerfüllten Geschäftsführerin, die sich von dem neuen Praktikanten Harris Dickinson ihre Vorlieben erfüllen lässt. Das ist es, was die Leute meinen, wenn sie davon sprechen, dass Schauspieler „mutig“ sind, ein Wort, das bei der Beschreibung von Darbietungen zu großzügig verwendet wird.

Kidman verdient hier die Beschreibung: Sie gibt Ihnen ein Porträt weiblicher Begierde, das sich tausendmal psychisch nackter anfühlt als körperlich entblößt. Sie können die Reise ihres Charakters von der Zurückhaltung und Verwirrung über das Nachgeben ihrer Bedürfnisse, ihre Wut auf sich selbst, weil sie überhaupt die Idee in Betracht gezogen hat, das Gefühl der libidinösen Befreiung, sobald sie es tut, die Mischung aus Erleichterung und Scham darüber, es getan zu haben, und das unmittelbare Gefühl, mehr zu wollen, nachzeichnen. Haben wir schon erwähnt, dass all dies ohne ein Wort in einer Sequenz vermittelt wird, in der ihr Charakter widerwillig zum Höhepunkt kommt? Kidman zeigt Ihnen nicht nur die sexuelle Erfüllung dieser Frau. Sie zeigt Ihnen auch alles, was um sie herum geschieht, auf die intimste und aussagekräftigste Weise.

Es erscheint grausam, nur eine Darstellerin in der perfekten Geschichte der Autorin und Regisseurin Azazel Jacobs über ein Schwestern-Trio, das sich in den letzten Tagen um den Vater kümmert, herauszuheben – es ist ein Film, der auf dem heiklen Zusammenspiel zwischen Carrie Coon, Elizabeth Olsen und Natasha Lyonne beruht, wobei jede die Familiendynamik ausgleicht, die dieses Drama zum Klingen bringt. Doch es ist Lyonne, die einen hier wirklich berührt, und diejenige, die das größte Risiko einzugehen scheint, indem sie ihre gewohnte komische Stimme dämpft. Wir stehen auf eine Legende, die eine Art witzig-freche Interpretation des Archetyps der schrillen Dame von gestern in eine Erfolgsgeschichte des 21. Jahrhunderts verwandelt hat – wir werden Poker Face und Russian Doll von jetzt an bis zum Jüngsten Tag rauf und runter gucken. (Ihr Geplänkel mit dem Sicherheitsmann eines Apartmentkomplexes gibt Ihnen immer noch einen Vorgeschmack auf Lyonnes bada-bing-Zeilenlesungen.)

Aber ihre Rolle als jüngste Tochter, gefangen in ihrer Trauer und zwischen ihren Yin- und Yang-Geschwistern, ist wie eine Klinik, in der man lernt, wie man einen rezessiven Charakter darstellt und ihn dennoch fesselnd macht. Es gibt Momente, in denen man denkt, Lyonne würde sich physisch in sich selbst zurückziehen wie eine Schildkröte in ihren Panzer. Es gibt Momente, in denen man das Gefühl hat, sie müsse in Flammen aufgehen, nachdem sie die Beherrschung verloren hat. Und dann gibt es Momente, in denen sie sich, nachdem sie zu einem Punkt des gegenseitigen Verständnisses gelangt ist, neben ihre Verwandten zusammenrollt und man sich daran erinnert, dass sie nicht nur eine Komödiantin ist. Sie ist einfach eine Schauspielerin, eine der besten ihrer Generation.

Vielleicht kennen Sie Mikey Madison bereits aus ihrer Arbeit an „Better Things“, der FX-Serie, in der sie und die Schöpferin Pamela Adlon über fünf Staffeln hinweg eine komplizierte, allzu realistische Mutter-Tochter-Beziehung im Teenageralter spielten. Oder Sie haben sie vielleicht als Mitglied der Manson-Familie erkannt, die in „Once Upon a Time… in Hollywood“ ein ziemlich extravagantes Ende fand. Aber nachdem Sie gesehen haben, wie Madison Sean Bakers Sexarbeiter-Screwball-Komödie belebt, vertieft, aufwertet und schließlich das Ruder übernimmt, werden Sie sie nie wieder vergessen.

Es ist eine herausragende Rolle, und zu sagen, dass sie das Beste aus ihrer Rolle als Stripperin macht, die den Heiratsantrag eines reichen russischen Jungen annimmt – nur um dann mit dem daraus resultierenden Chaos fertig zu werden, als die Schläger seines Vaters „nyet“ rufen – ist eine Untertreibung. Tatsächlich ist es so einfach, von den Reißzähnen, Klauen und Cajones aus Edelstahl, die sie ihrem kampferprobten Überlebenskünstler schenkt, beeindruckt zu sein, dass man die subtile Arbeit, die sie unter all dem Geschrei und der Wut leistet, vielleicht übersieht. Die letzte Szene geht uns immer noch nicht aus dem Kopf: Sie und ihre Filmpartnerin Yura Borisov – die wir jetzt schon in diese Liste aufnehmen, nicht @ uns – verwandeln etwas, das als ein weiterer Geschäftsabschluss beginnt, in etwas Zärtliches und Verheerendes. Ein Star ist geboren.

Eine Leinwandfigur wie Pansy Deacon hat es noch nie gegeben, nicht einmal in einem Film von Mike Leigh (und das ist der Gentleman, der uns „Naked“ geschenkt hat). Sie neigt dazu, Gift wie eine Kobra auf ihre Gesprächspartner zu spucken, egal ob es sich um einen Verkäufer handelt, der ihr nicht genug Aufmerksamkeit schenkt, einen Nachbarn, der sein Kind auf eine Weise kleidet, die sie geschmacklos findet („Wozu braucht ein Baby Taschen?!?“), oder ihren eingeschüchterten Ehemann und schüchternen, introvertierten Sohn. Pansy kämpft gegen den Rest der Welt, und Letzterer hat keine Chance. In weniger fähigen Händen wäre jemand wie sie einfach ein Paradebeispiel für proaktive Wut. Aber Marianne Jean-Baptiste – deren vorherige Arbeit mit dem britischen Drehbuchautor und Regisseur in Secrets & Lies aus dem Jahr 1996 ihr eine Oscar-Nominierung einbrachte – hat sich noch nie mit Oberflächlichkeiten zufriedengegeben.

Was diese Frau dazu motiviert, sich auf etwas einzulassen, ist Angst und wahrscheinlich die anhaltenden Auswirkungen eines generationenübergreifenden Traumas – und das ist der Rosetta-Stein, auf den Jean-Baptiste immer wieder zurückgreift, selbst wenn Pansy sich auf urkomische Weise Luft macht oder auf tragische Weise daran scheitert, ihre Depressionen zu bekämpfen. Ihre Darstellung ist frei von jeglicher Verurteilung, Mitleid oder Moralisierung, und sie zeigt keine Distanz zu dieser Frau, die nicht anders kann, als jede Chance auf Glück selbst zu sabotieren, oder die nicht einmal das Gefühl hat, dass sie es verdient. Es gibt einfach nur die Darstellung dieser Person, die auf alles und jeden um sie herum bis zur Erschöpfung einschlägt, wobei Jean-Baptiste es einem ermöglicht, die verletzte Menschlichkeit zu sehen, die unter all dem brodelt. Sie verdient jeden Superlativ, den man sich vorstellen kann, und noch mehr.

Vergessen Sie für einen Moment den meisterhaften Meta-Streich, Demi Moore als jemanden zu besetzen, den Hollywood einst auf einen Sockel gestellt und dann bis zur Desillusionierung entfremdet hat. Die kraftvolle Kombination aus Wut, Rechtschaffenheit und unterdrücktem Groll, die der Star aus G.I. Jane in Coralie Fargeats ausgefallene, karikaturhafte Showbiz-Satire einbringt, lässt sie manchmal wie einen Exorzismus wirken, das ist sicher. Aber selbst wenn sie so übertrieben spielt, wie es eine Geschichte über eine jüngere, heißere Version von sich selbst erfordert, die voll ausgebildet aus dem eigenen Rücken entspringt, achtet Moore darauf, dem Körperhorror ein menschliches Gesicht zu verleihen.

Es ist eine witzige, erschreckend intensive Darbietung, besonders wenn ihr vorzeitig auf die Weide gestellter Promi beginnt, ihr taufrisches Gegenstück zu sabotieren (ein großes Lob auch an Margaret Qualley). Und dank ihres Stars ist der gruseligste Moment in dieser übertriebenen Darstellung der Jugendobsessionen der Gesellschaft auch der traurigste: Moore starrt sich im Spiegel an und wischt sich heftig das Make-up ab, während sie ihre Pläne für einen Abend in der Stadt aufgibt. Sie lässt Selbsthass wie das Schrecklichste auf der Welt erscheinen.

In diesem Jahr entwickelte sich der 34-jährige Schauspieler aus Cheltenham von einem Nachwuchstalent, das die Szene stiehlt und Herzen höher schlagen lässt, zu jemandem, der ganze charakterbasierte Dramen auf seinen Schultern tragen kann. In dem Film „La Chimera“, der letztes Jahr in Cannes Premiere feierte, deutete O’Connor in seinem schmutzig weißen Anzug und mit Dreitagebart an, dass er der Thronfolger der Art von quecksilbrigen, charismatischen Antihelden sein könnte, die Al Pacino in den frühen 1970er Jahren spielte. Sein italienischer Grabräuber ist gleichzeitig anziehend und abstoßend.

Dann kam „Challengers“, Luca Guadagninos Tennis-Dreiecksgeschichte, und er gab uns einen schelmischen Bösewicht der ganz anderen Art: einen Turnier-Gauner, der ein Anwärter auf den Sieg hätte sein können, wenn er sich nicht sowohl in Zendaya als auch in seinen Doppelpartner Mike Faist verliebt hätte. (Das ist nicht gerade subtil, Leute.) Es war die Art von Doppelschlag, von der Schauspieler träumen, und die Tatsache, dass sie zufällig in unmittelbarer Nähe in die amerikanischen Kinos kommen, macht das Argument, dass O’Connor der Typ ist, den man im Auge behalten sollte, nur noch stärker. Ob man ihn nun küssen oder ihm ins Gesicht schlagen möchte – vielleicht beides? – man kann seine Augen nicht von ihm lassen, wenn er auf der Leinwand zu sehen ist.

Selbst wenn Sie Ridley Scotts verspätete Fortsetzung seines Oscar-Gewinners von 2000 noch nicht gesehen haben, haben Sie wahrscheinlich schon gehört, dass Denzel Washington den Film stiehlt, sobald er ins Bild stolziert, und ihn für den Rest der Laufzeit sicher in seiner Kaftantasche verstaut hält. Der Hype ist berechtigt. Seine Figur, ein ehemaliger Sklave, der zum Strippenzieher namens Macrinus wurde, schließt einen faustischen Pakt mit Paul Mescals Kriegsgefangenen: Kämpfe in der Arena für mich und du bekommst die Chance, den Tod eines geliebten Menschen zu rächen. In Washingtons Händen wird Macrinus jedoch schnell zu einer Art „Frenemy“ für diesen Kämpfer, der sowohl ein gerissener Intrigant als auch ein Joker ist.

Man hat wirklich keine Ahnung, was dieser ehrgeizige Verschwörer als Nächstes vorhat, und das noch bevor er mit einem abgeschlagenen Kopf durch die Senatskammern Roms stolziert. Es ist die Art von kompromissloser Darstellung eines Bösewichts, die Washingtons gerissenen Polizisten in Training Day und seinen coolen, berechnenden Kriminellen in American Gangster kombiniert und das Ganze dann mit einer großzügigen Portion Camp abrundet. Caligula ist ein Weichei dagegen!

Fans des japanischen Kinos schwärmen seit Jahrzehnten von Koji Yakushos Größe, und seine Galerie tanzender Angestellter, geisterhafter Detektive, blutbefleckter Samurai und nudelliebender Yakuza (nur die Spitze des Eisbergs in Bezug auf seine 45 Jahre auf der Leinwand) zeugt seit langem von einem Schauspieler, der eine verdammt große Bandbreite hat und eine Rolle auf seine Stärken zuschneiden kann. Selbst seine eingefleischten Bewunderer waren jedoch überrascht, was er in Wim Wenders‘ Geschichte über einen Toilettenwärter namens Hirayama zum Ausdruck bringt. Auf den ersten Blick ist an diesem bescheidenen Herrn mittleren Alters nichts Besonderes: Er wacht auf, geht zur Arbeit, sammelt Classic-Rock-Kassetten und ist stolz auf seine gute Arbeit.

Aber Yakusho lässt Sie sehen, wie die Routine die Wellen der Emotionen unter der trügerisch ruhigen Oberfläche verbirgt. Es ist eine so sorgfältig durchdachte und exquisit abgestimmte Darbietung, die alltägliche Routinen auf sublime Weise in etwas Euphorisches verwandelt und kleine Momente auf tiefgründige Weise zu Offenbarungen erhebt. Auch ohne den Schauspieler wäre es immer noch der größte Film über einen Toilettenreiniger aller Zeiten. Mit ihm wird diese kleine, bescheidene Geschichte zu einer Art erschütternder Charakterstudie, die uns daran erinnert, warum wir überhaupt ins Kino gehen.

Dieser Artikel wurde von Kristina Baum aus dem Englischen übersetzt. Das Original finden Sie hier.