Die 10 besten Dokumentarfilme des Jahres 2024

Die Wahrheit tut weh – das kann jeder langjährige Doku-Fan bestätigen, der hunderte Stunden lang Erzählern zugehört hat, die über Gräueltaten in Form von „Sie-sind-dabei“-Filmmaterial berichten. Dieses Konzept wurde auch stark angegriffen, da die Realität selbst zu Tode politisiert wurde. Man musste nicht lange suchen, um traditionelle, an den History Channel erinnernde Aufnahmen von Tragödien aus alten und neueren Zeiten oder Dokumentarfilme zu finden, die sich mit den Gefahren befassten, denen die Demokratie hier und im Ausland in den letzten zehn Jahren ausgesetzt war.

Man musste auch nicht lange suchen, um auf eine der Abermillionen von True-Crime-Dokumentationen und Promi-Porträts zu stoßen, die in unterschiedlichem Maße die Streamer verstopfen und das Doku-Genre in Beschlag nehmen. Einige davon sind gut. Einige sind sogar großartig. Die meisten sind einfach nur … da.

Aber auch wenn wir 2024 bei bestimmten Arten von leicht verdaulichen Wahrheiten einen Sättigungspunkt erreicht haben, gab es immer noch Dokumentarfilme, die den typischen, „nur-die-Fakten-Ma’am“-Reportage-Ansatz mit außergewöhnlicher Wirkung einsetzten – und eine Handvoll, die die Tatsache voll ausnutzten, dass es mehr als einen Weg gibt, an Themen heranzukommen, die von Mordkomplotten bis hin zu kolonialen Vermächtnissen reichen. Und jeder der zehn Dokumentarfilme, die wir als die besten des Jahres 2024 ausgewählt haben, berührte Themen wie Arbeitsrechte, die Politik der Repräsentation und die Art und Weise, wie wir online leben, auf eine Weise, die für das Hier und Jetzt nicht relevanter sein könnte – selbst wenn die Geschichten selbst bis in die Mitte des 20. Jahrhunderts zurückreichen.

(Lobende Erwähnungen auch für: „Beatles ’64“, „Daughters“, „Gasoline Rainbow“, „I Am Celine Dion“, „In Restless Dreams – The Music of Paul Simon“, „Pictures of Ghosts“, „Self-Portrait as a Coffee Pot“, „Sugarcane“, „The Tuba Thieves“ und „War Game“.)

Der Aufstieg des Internets als wichtigster Kanal der sozialen Kommunikation des 21. Jahrhunderts fiel zufällig mit dem Aufstieg von Tegan and Sara zusammen, der Indie-Rock-Gruppe um die Zwillingsschwestern Tegan und Sara Quin. Sie hatten von Anfang an eine begeisterte Fangemeinde, von denen viele Online-Foren, Chatrooms usw. nutzten, um sich über ihre Liebe zur Band auszutauschen. Einige Fans begannen sogar, über DMs auf Facebook direkt mit Tegan zu kommunizieren, wobei die Musikerin ihnen Demos, persönliche Bilder und viele Insiderinformationen über ihr Leben schickte.

Es gab nur einen Haken: Es war nicht Tegan. Und als die Schwestern und ihr Management begannen, den Austausch näher zu untersuchen, entdeckten sie die Existenz von „Fegan“ – einer falschen Tegan, die die Freunde und Fans der Quins jahrzehntelang ausbeutete und ihr Leben in einen unauffälligen Stalker-Albtraum verwandelte. Erin Lee Carr („Thought Crimes“) legt all dies auf eine Weise dar, die einem die Verletzlichkeit und die Verletzung von allem spüren lässt. Wir haben überlegt, diesen Film auch auf unsere Liste der besten Horrorfilme zu setzen.

Dieser Rückblick auf die Herrschaft von MoviePass – dem zu guten, um wahr zu sein scheinenden Abonnementdienst, der zu einem bestimmten Zeitpunkt über seine App unbegrenzte Kinokarten für nur 9,95 US-Dollar pro Monat anbot – beginnt als recht geradliniger Blick auf eine unternehmerische Erfolgsgeschichte, über ein unkonventionelles Start-up, das den ehemaligen Netflix-Manager Mitch Lowe an Bord holt und große Erfolge feiert, bevor seine Eigentümer der Sonne etwas zu nahe kommen und die Schwerkraft die Oberhand gewinnt.

Dann führt uns Regisseur Muta’Ali zurück an den Anfang, damit wir besser sehen können, wie die schwarzen Unternehmer Stacy Spikes und Hamet Watt das Unternehmen gründeten und dann langsam zugunsten einer „besseren Optik in der Geschäftswelt“ (sprich: alte, grauhaarige, weiße Männer) verdrängt wurden. Dies stellt sich als die Spitze des Eisbergs fragwürdiger Praktiken heraus, und was als prägnante Fallstudie begann, weitet sich zu einer umfassenden Einführung in „How Not to Do Business, 2011 to the Present“ aus. Betrüger spielen eine Rolle. Ebenso wie die Zahlung von Hunderttausenden von Dollar für eine Party auf dem Coachella-Festival, um sich Insta-Coolness zu erkaufen.

Der Fotograf Ernest Cole machte Fotos von Südafrikanern, die sich tagtäglich unter repressiven, rassistischen Gesetzen durchs Leben schlugen, und wurde so zum wichtigsten Chronisten der Apartheid, die das Land praktisch definierte. Sein 1967 erschienenes Buch „House of Bondage“ ist nach wie vor eine der wichtigsten visuellen Darstellungen der Region in dieser Zeit. Den Rest seines Lebens verbrachte er größtenteils im Exil in den USA, wo er bis zu seinem Tod im Jahr 1990 weiterhin auf den Straßen von New York und in den Kleinstädten des amerikanischen Südens fotografierte.

Coles spätere Arbeiten galten als für immer verloren – bis 60.000 Negative in einem Banktresor in Schweden gefunden wurden. Die meisten Filmemacher hätten diese Entdeckung zum Hauptthema ihres Dokumentarfilms gemacht, aber Raoul Peck („I Am Not Your Negro“, „Exterminate All the Brutes“) konzentriert sich klugerweise eher auf den Mann als auf das Rätsel, und das Ergebnis ist ein eindringlicher Blick auf die Erfassung sozialer Ungleichheit durch die Linse einer Kamera.

Aufbauend auf der lyrischen, nicht-narrativen Vorlage ihres preisgekrönten Spielfilms „The Truffle Hunters“ aus dem Jahr 2020 konzentrieren sich die Filmemacher Michael Dweck und Gregory Kershaw auf moderne Cowboys, die in den nordwestlichen Ausläufern Argentiniens leben. Diese Männer leben ein Leben wie in alten Zeiten, das ihnen den Titel „Gaucho Gaucho“ einbringt, das heißt die echten Gauchos, die noch immer wilde Pferde zähmen und von der Landwirtschaft leben.

Währenddessen versucht eine Teenagerin, in den Rodeo-Zirkel einzusteigen und die Lebensweise der Gauchos zu erlernen, um die Tradition am Leben zu erhalten. Dieses in Schwarz-Weiß gedrehte, fast schon stream-of-conscious-artige Porträt einer Subkultur ist ein wunderschöner, kontemplativer Blick auf eine Welt, die in Bernstein erstarrt zu sein scheint. Doch Dweck und Kershaw verleihen ihren anthropologischen Neigungen hier einen poetischen Anstrich, und das macht den Unterschied.

Mats Steen war ein junger Mann, der in Norwegen lebte und „World of Warcraft“ liebte. Er litt auch an Duchenne-Muskeldystrophie, die ihn fast bewegungsunfähig machte; das Multiplayer-Fantasy-Spiel war eine seiner wenigen Verbindungen zu einer Welt außerhalb seines Schlafzimmers. Nachdem Mats im Alter von 25 Jahren verstarb, erhielten seine Eltern Dutzende Beileidsbekundungen von anderen WoW-Besessenen, die ihren gebrechlichen Sohn als „Ibelin“ kannten, den mächtigen und gutherzigen Krieger, der sein Avatar im Spiel war.

Noch besser: Die Mitglieder seiner Warcraft-Gilde gaben ihnen Tausende von Seiten mit Textnachrichten, die Mats mit ihnen während des Spielens geführt hatte, wodurch sie eine ganz andere Seite ihres Kindes kennenlernen konnten. Und hier trifft der Dokumentarfilmer Benjamin Ree („The Painter and the Thief“) eine geniale Entscheidung: Er veranschaulicht diese Interaktionen durch tatsächliches Online-Gameplay und verleiht so Steens reichem Innenleben eine narrative Form. Es ist eine formale Idee, die sich auf emotionale Weise auszahlt, wie Sie es sich nicht einmal ansatzweise vorstellen können. Halten Sie ein Taschentuch bereit.

1998 bewarb sich ein ehrgeiziger Komiker namens Tomoaki Hamatsu – wegen seines auberginenförmigen Kopfes auch „Nasubi“ genannt – für eine TV-Show. Er wurde in einen Raum gebracht, in dem es nichts als eine Bodenmatte und ein Regal voller Zeitschriften gab, zog sich nackt aus und erfuhr, dass er sich alles, was er brauchte (Kleidung, Essen, Haushaltsgeräte), durch den Gewinn von Gewinnspielpreisen verdienen musste. Seine Tortur dauerte 15 Monate. Hamatsu ging davon aus, dass das Filmmaterial seiner täglichen Überlebenskämpfe niemals veröffentlicht werden würde. Stattdessen wurde es einem Millionenpublikum gezeigt.

Der Filmemacher Clair Titley erinnert sich an einen Moment Ende der 1990er Jahre, lange bevor die Idee von nicht-skriptbasierten Franchises für Mark Burnett auch nur ein Schimmer in seinem verbitterten Auge war, und erzählt, wie das, was bald als „Reality-TV“ bezeichnet werden sollte, einen Durchschnittsbürger zum Superstar machen konnte, eine Demütigung zur Hauptsendezeit nach der anderen. Es ist sowohl eine unvergleichliche Geschichtsstunde über die Anfänge der Popkultur des 21. Jahrhunderts als auch ein Blick auf die unglückliche Zukunft. Es ist auch ein Blick auf die neue Norm, die auf uns zurast wie ein führerloser Zug. Wir sind jetzt alle Kandidaten.

Im Frühjahr 2021 begann eine Gruppe von Beschäftigten im „Fulfillment Center“ von Amazon auf Staten Island – angeführt vom ehemaligen Mitarbeiter Chris Smalls und einer Gruppe gleichgesinnter Aktivisten – Unterschriften für eine mögliche Gewerkschaft zu sammeln. Die Filmemacher Brett Story („The Hottest August“) und Stephen Maing („Crime + Punishment“) waren dabei und hielten jeden Schritt auf dem Weg zur letztendlichen Anerkennung der Amazon Labor Union (ALU) durch das National Labor Relations Board im Jahr 2022 fest.

Die meisten Leute hätten einfach auf den Sieg hingearbeitet und mit einem Höhepunkt geendet. Aber Story und Maing sind gleichermaßen daran interessiert, wie die Organisation der Arbeitnehmerschaft vonstattengeht. Deshalb nehmen sie auch an turbulenten Zoom-Meetings teil, werfen einen Blick auf die gewerkschaftsfeindliche Propaganda, die den Arbeitnehmern aufgezwungen wird, begleiten Smalls und seine Mitstreiter bei nächtlichen Protesten bei kaltem Wetter und bekommen einen echten Eindruck von dem Kampf vor Ort, der erforderlich ist, um sicherzustellen, dass die Grundrechte anerkannt werden. Es ist ebenso sehr das Porträt eines Kampfes wie eines Sieges.

Dieser schmerzhaft intime Blick auf die Dezimierung von Dörfern in der Region Masafer Yatta im Westjordanland ist teils persönliches Tagebuch des Lebens während des Krieges und teils Aufschrei aus der Ich-Perspektive. Er wurde von einem Quartett israelischer und palästinensischer Filmemacher gedreht. Vor den Kameras stehen jedoch insbesondere zwei Filmemacher im Mittelpunkt: Basel Adra, ein Bewohner der Region, der die langsame, aber stetige Demontage von Wohnhäusern filmt, während das Gebiet seit Jahren zur „militärischen Übungszone“ erklärt wurde, und Yuval Abraham, ein israelischer Journalist, der sich an der Seite der vertriebenen, wütenden Bürger zur Wehr setzt.

Die Freundschaft zwischen diesen beiden Männern bietet einen Gegenpol zu den Schikanen und der Gewalt, die an der Tagesordnung sind. Doch die ungleichen Voraussetzungen und die schiere Gleichgültigkeit derer, die diese Gemeinschaften systematisch zerstören – die Grausamkeit scheint bei vielen dieser Bulldozer-Einsätze im Vordergrund zu stehen – haben eine zersetzende Wirkung, die sich auf alles um sie herum auswirkt, auch auf ihre Bindung. Man könnte meinen, dass der Film mit einem seltenen Moment der Ruhe endet, in dem Adra und Abraham sich laut fragen, was die Zukunft für sie bereithält. Dann wird in einer Titelkarte darauf hingewiesen, dass die Produktion des Films im Oktober 2023 abgeschlossen wurde. Wir sehen, wie ein Siedler einem Palästinenser aus nächster Nähe in die Brust schießt, und uns wird klar, dass die Dinge noch viel schlimmer werden. Unbedingt ansehen.

Der belgische Filmemacher Johan Grimonprez bietet eine turbulente Geschichtsstunde, die durch die Ästhetik von Blue-Note-Albumcovern und Punkt-zu-Punkt-Verbindungsmontagen gefiltert wird. Er spult zurück zu dem Moment, als amerikanische Jazzmusiker wie Louis Armstrong und Dizzy Gillespie zu Botschaftern Afrikas wurden, Patrice Lumumba versuchte, den Kongo vom Kolonialismus zu befreien, und politische Attentate direkt vor der Nase der UNO verübt wurden.

Diese Tour durch die internationalen Spannungen und schmutzigen Tricks der Geheimdienste im 20. Jahrhundert ist vielleicht einer der am meisten mit Fußnoten versehenen Dokumentarfilme, die jemals auf dem Festival gezeigt wurden, und die Menge an Recherchen und Querverweisen, die hier zu sehen sind, ist überwältigend. „Wenn Afrika wie ein Revolver geformt ist„, wird Franz Fanon in einem von unzähligen Zwischentiteln zitiert, ‚dann ist der Kongo sein Abzug.‘ Grimonprez zeichnet im Wesentlichen den Bogen der Kugeln nach, die während des anhaltenden Wendepunkts der Region in den 1960er Jahren abgefeuert wurden, ein Bebop-Riff und eine heuchlerische Rede nach der anderen.

Mati Diops Nachfolger von Atlantics aus dem Jahr 2019 handelt von der Rückgewinnung von Schätzen aus dem westafrikanischen Staat Benin – früher bekannt als Königreich Dahomey –, die Ende des 19. Jahrhunderts von französischen Besatzern gestohlen wurden. Nachdem diese wertvollen Besitztümer in ihre rechtmäßige Heimat zurückgebracht wurden, reichen die Reaktionen der heutigen Bürger von Erleichterung bis hin zu Wut darüber, dass nur 26 der Hunderten geplünderten Gegenstände zurückgegeben wurden.

Die Objekte selbst fragen sich derweil laut (!) was es bedeutet, aus ihrem ursprünglichen Kontext gerissen zu werden. Eine spannende, nachdenkliche und absolut einzigartige Sicht auf das Erbe des Kolonialismus, den Tribut, den eine Geschichte fordert, die die Unterwerfung anderer beinhaltet, und die Art und Weise, wie kulturelle Artefakte zur Identität eines Landes beitragen.

Dieser Artikel wurde von Kristina Baum aus dem Englischen übersetzt. Das Original finden Sie hier.